Egri e Rao: omaggi all'arte e alla vita

Susanna Egri, una vita al massimo

Una vita densa di avvenimenti, di intrecci con la grande storia dell’umanità, una vita connessa con l’arte, eclettica e aperta con vivacità alla sperimentazione: Susanna Egri, danzatrice, coreografa, nata a Budapest il 18 febbraio 1926, è festeggiata al teatro Carignano di Torino questo giovedì con una serata celebrativa della sua straordinaria carriera. L’evento, intitolato Susanna Egri: Il centenario fa parte degli appuntamenti di Torinodanza Extra, un omaggio a un’artista ancora oggi in piena attività. Egri, figlia di Ernesto Egri Erbstein, il famoso allenatore del Grande Torino, scomparso nella tragedia aerea di Superga, e della maestra di danza Jolán Haraszti, dopo un’infanzia serena trascorsa in Italia, tra Cagliari, Bari e Lucca, si trova di colpo a subire le tragedie della storia: il padre è ebreo e a causa delle leggi razziali del 1938 la famiglia prova a fuggire verso l’Olanda. Purtroppo non ce la fanno e vengono confinati in Germania. Riusciranno fortunatamente a tornare a Budapest dove la giovane Susanna potrà dedicarsi allo studio della danza, che aveva cominciato da piccola con la madre. La sua formazione unirà al balletto classico, praticato nella Scuola del Teatro dell’Opera di Budapest, gli insegnamenti di un teorico chiave della danza espressiva tedesca quale fu Rudolf Laban. Finita la guerra, dopo aver debuttato con il suo primo recital solistico, sposa l’italiano Enea Pozzo Balbi e riesce a tornare in Italia. “Istantanee”, foto di Simone Vittonetto È A TORINO che dà il via alla sua scuola e alla sua compagnia “I Balletti di Susanna Egri”, fondati nel 1952. È anche pioniera della danza in tv: il suo nome si lega alla Rai fin dalle primissime trasmissioni. Nel 1998 nasce la Fondazione Egri, seguita l’anno successivo dalla fondazione della Compagnia EgriBiancoDanza, diretta da Egri insieme al danzatore e coreografo Raphael Bianco. La Fondazione è oggi uno dei CRID, Centro di Rilevante Interesse per la danza. Ma eccoci al programma dell’omaggio al Carignano. Le celebrazioni del centenario, partite a febbraio al Teatro Maggiore di Verbania, ospitano al teatro torinese tre creazioni legate alla storia di Egri. Alla memoria si lega il riallestimento di Istantanee, lavoro firmato da Egri nel 1953, musica di Paul Arma. Il pezzo si compone di varie parti: la prima si intitola Figure nello spazio ed è un lavoro volto a mettere in luce un disegno plastico e astratto, il secondo quadro si intitola Solitudine e vira verso l’espressività attraverso l’esplorazione di svariati sentimenti. Il terzo si intitola Rapporti ed è dedicato alle relazioni umane. Il balletto andò in scena per la prima volta all’Alfieri di Torino con vivo successo e venne anche mndato in onda dalla Rai. Al Carignano sarà anche ripreso Cantata Profana: Il Cervo Fatato, creazione di Raphael Bianco presentata per la prima volta il 18 febbraio a Verbania. La serata vedrà poi la prima assoluta di Brides of God, nuovo lavoro di Bianco dedicato alle figure delle antiche danzatrici sacre Devadasi, nato da un periodo di residenza artistica tra India e Italia. Al progetto ha contribuito Antonella Usai, consulente alla drammaturgia per la danza classica indiana Bharatanatyam. Musica dal vivo di Cristina Mercuri. Completa la serata l’anteprima de La volontà del mare, nuova coreografia di Susanna Egri musicata da Giorgio Ferrero. Si tratta di un’opera audiovisiva musicale e poetica ideata per un lungometraggio in lavorazione di cui si prevede l’uscita per il 2027, dal titolo La ragazza che voleva tuffarsi. Grande entusiasmo quindi per un’icona della danza italiana, infaticabile signora del movimento.

La pittura di Massimo Rao in scena

Ecco l’omaggio al grande artista sannita Massimo Rao, tradizione e novità d A Morcone (provincia di Benevento), nell’ambito di “Ra.Ro. Festival del Lavoro Creativo e Culturale”, organizzato da Kinetès. Arte Cultura Ricerca Impresa e diretto con entusiasmo e rigore da Rossella Del Prete, l’omaggio al grande artista sannita Massimo Rao. Il set di scena: la suggestiva Chiesa di Sant’Onofrio che ha ospitato la performance “Io, Massimo Rao”, scritto e interpretato da Antimo Buonanno, con Diego Menna e Francesca Iovine. Il rischio maggiore quando il teatro affronta la biografia di un artista consiste nel trasformare la scena in una conferenza illustrata o, peggio, in un esercizio celebrativo. Ma il lavoro di Buonanno evita decisamente questa deriva scegliendo una strada diversa: non tenta di spiegare Massimo Rao, ma di restituirne la tensione esistenziale, facendo della memoria un atto drammatico prima ancora che documentario. La scena è essenziale (quadri, drappi, un giradischi, un leggio), la musica gioca un ruolo centrale (da Buscaglione ai Beatles, da Battisti a Beethoven) e la centralità è tutta verso il vissuto dell’artista. L’azione teatrale nella sua linea di lavoro ci restituisce in pieno Rao e il suo appartenere a quella rara categoria di pittori che hanno scelto di sottrarsi alle coordinate del proprio tempo storico. Nato nel 1950 a San Salvatore Telesino e scomparso prematuramente nel 1996, costruì una ricerca figurativa radicalmente controcorrente rispetto alle tendenze dominanti del secondo Novecento. Mentre larga parte dell’arte contemporanea inseguiva la provocazione, i linguaggi plurimi della sperimentazione e le innovazioni tecno-sociali, Rao tornava ai maestri antichi, alla disciplina del disegno, al rigore della pittura fiamminga e alla spiritualità del primo Rinascimento, in un girovagare tra David e Cavallino, tra Tübke e van Eyck. Una scelta che oggi appare non come nostalgia, ma come una forma di coraggiosa resistenza culturale. E lo spettacolo assume questa posizione come propria chiave interpretativa. La drammaturgia racconta una successione di eventi biografici (le radici, il rapporto con la madre, le passioni, gli amici, il viaggio, Klaus, l’eleganza dei grandi vestiti, l’ossessione per il tema della luna) e al contempo costruisce un densissimo dialogo continuo tra vita e opera, facendo emergere il carattere profondamente metafisico della ricerca dell’artista. La luna, presenza costante nelle sue tele (in scena interpretata da Francesca Iovine che da voce e corpo anche alla coralità amicale, mentre Diego Menna è Klaus) diventa il simbolo di una interrogazione che attraversa l’intera narrazione. Elemento iconografico e figura della distanza, del mistero, della solitudine. La scrittura scenica trova il suo equilibrio proprio quando rinuncia all’enfasi e lascia che siano le parole, i silenzi e le immagini evocate a suggerire la complessità di un autore difficilmente classificabile. Rao non viene presentato come un genio maledetto, né come un artista da mitizzare; emerge invece la sua umanità e la sua ostinata fedeltà a una visione della pittura come luogo della conoscenza, lontana dalle mode e impermeabile alle convenienze del mercato. In questo senso, “Io, Massimo Rao” diventa anche una riflessione sul destino della memoria culturale. Il lavoro rende evidente come il vero nemico dell’arte non sia il tempo, ma l’oblio. Ogni artista dimenticato rappresenta una perdita non solo per la storia dell’arte, ma per la capacità di una comunità di riconoscere la propria identità. Assume allora un significato preciso anche il ruolo dell’Associazione Massimo Rao, nata nel 2012 grazie all’impegno di Patrizia Bove, autentica custode della memoria dell’artista. Il recupero delle opere, la costituzione della Pinacoteca Comunale di San Salvatore Telesino e il costante lavoro di divulgazione costituiscono il necessario contrappunto civile rispetto alla narrazione teatrale. Lo spettacolo trova così un fondamento concreto in una pratica quotidiana di conservazione e valorizzazione del patrimonio culturale. Il valore dell’operazione va oltre l’omaggio a un pittore ancora troppo poco frequentato dal grande pubblico (ma che ha esposto in tutto il mondo). La sua forza la ritroviamo in pieno in questo lavoro scenico. Il teatro, ci hanno insegnato i maestri, è uno strumento capace di trasformare la memoria in esperienza condivisa. Là dove la pittura fissa il tempo in un’immagine immobile, la scena restituisce movimento a quella stessa visione, riaprendo (in questo caso) domande che l’opera di Rao continua a porre con sorprendente attualità. In un panorama culturale spesso dominato dal “fast” del consumo e dall’effimero, “Io, Massimo Rao” ci ricorda che il teatro può ancora essere luogo di conoscenza, di approfondimento e di responsabilità civile. Un invito a interrogarsi sul senso stesso del custodire la bellezza e sul dovere di sottrarla alla dimenticanza. Alfonso Amendola